Henriette Hufgard, Autor bei Crisp Magazin

Hybrid Project Space: Die Blase platzen lassen

Henriette Hufgard — Fri, 30 Jan 2026 10:27:26 +0000

Die Kunstwelt in Basel ist klein. Eine Bubble von Menschen, die sich in vielerlei Hinsichten ähnlich sind. Sie sprechen – wie so oft in Bubbles – eine Sprache, die schwer zu verstehen ist, wenn man die Codes nicht kennt. Hybrid Project Space möchte die Blase platzen lassen. Oder vielmehr: Das Kollektiv will den Kreis der Eingeweihten und Eingeladenen vergrößern, neue Ein- und Ausgänge hinzufügen und ausgrenzenden Mechanismen mit einer Willkommenskultur begegnen. Können Museen so ein bisschen mehr Wohnzimmer und ein bisschen weniger vereinzelte, fragile Seifenblase werden?

Um zu verstehen, wo die eigene Bubble anfängt und wo sie endet, hat das Kollektiv 2023 eine öffentliche Befragung durchgeführt: Was kann Inklusion, Exklusion und Diversität bedeuten? Daraus entstand das Büchlein „This is not a Guidebook“. Es ist ein Werkzeug, um die hermetischen Grenzen – nicht nur der Baseler – Kunstwelt zu durchlöchern und passt mit seinem kleinen Format in fast jede Hosentasche. „Do you get it*? Does it speak for itself*? (*the art)“, fordert es die Lesenden heraus, gibt Handlungsanweisungen wie: „Touch the art*. (*this is not a guidebook). Did you really touch it?“ oder fragt fürsorglich: „What do you need right now? Fries? Take a selfie? Relax? Check social media? Coffee? Silence? Swipe on Tinder? Fresh air? Something to read?“

Viele der Fragen richten sich auf das Machtungleichgewicht, das oft in Kultureinrichtungen herrscht: Musstest du Eintritt bezahlen? Wer kann nicht mit rein? Wem gehört eigentlich das Ausstellungsgebäude? Ist der Kunstmarkt der „größte legale Schwarzmarkt der Welt“? Das Handbuch, das keines ist, fängt das Ungleichgewicht auch auf. Zum Beispiel, indem neuere Begriffe wie „BIPoC“, „womxn“ oder „queer“ in einfachen Worten erklärt werden. Memes des*der Künster*in Cem A. alias @freeze_magazine ergänzen die Publikation. In beinahe unverschämter Mühelosigkeit bringen sie doppelte Standards und strukturelle Benachteiligungen auf den Punkt.

Hybrid Project Space: Serving Questions © Jana Jenarin

Aus zwei mach’ sechs

Hybrid Project Space, das sind sechs Personen aus so verschiedenen Bereichen wie Wirtschaftspsychologie und Kunstvermittlung, Kulturjournalismus, Architektur und PR. Ananda Jade und Laura Schläpfer haben das Projekt zu zweit gestartet. Schnell haben sie gemerkt, dass ein neuer Blick auf die Kulturszene in Basel und anderswo noch mehr Perspektiven braucht. Es kamen Gourav Neogi, Nahom Mehret, Semaya Mehret und Edward Wang hinzu. Das Team arbeitet bisher hauptsächlich ehrenamtlich. Eine sichere finanzielle Basis müssen sich die Mitglieder, die zum Teil noch studieren, durch Lohnarbeit in anderen Bereichen schaffen. Diese finanzielle Prekarität ist im Kunst- und Kultursektor alltägliche Realität. Sie macht es für viele Menschen ungleich schwerer, sich am kulturellen Geschehen zu beteiligen. Gleichzeitig erhöht sie direkt die kreative Handlungsmacht privilegierterer Menschen. Zeit wird kostbarer, je mehr man davon für die Sicherung der eigenen Existenz aufbringen muss. Wie kann man den Mühlen des freien (Kunst-)Marktes und den alteingesessenen Strukturen etwas entgegensetzen, ohne selbst davon aufgerieben zu werden?

Hybrid Project Space: Serving Questions © Jana Jenarin

Langsamkeit als widerständige Praxis

Anlässlich der Ausstellung When We See Us: A Century of Black Figuration in Painting organisierte das Kollektiv 2024 mit dem Kunstmuseum Basel eine dreiteilige Vermittlungsreihe namens „Serving Questions“. Sechs ausgewählte Gäst*innen, darunter Ann Mbuti, Mohamed Almusibli und Yuvviki Dioh, wurden als Expert*innen eingeladen. Das Setting war für Museen höchst untypisch: Bei Speisen und Getränken saßen die Teilnehmenden gemeinsam an einer langen Tafel. Dort kamen alle auf Augenhöhe ins Gespräch, statt durch ein Podest getrennt zu sein. Der Tisch war mit einer bunt bestickten Tischdecke geschmückt, die das Kollektiv zuvor unter der Anleitung von Ieva Zuklyte getuftet hatte. Viele, vielleicht sogar die meisten Menschen fühlen sich nicht in Museen zuhause. Deshalb bietet z. B. auch die Tischdecke einen kleinen Halt in der ungewohnten Umgebung – sie lädt mit ihren weichen, farbenfrohen Fäden die Finger der Besuchenden zum Herumspielen ein. Dann werden die Fragen serviert: Mal auf Teller geschrieben, mal auf Servietten gestickt.

Hybrid Project Space versucht sich bei der Arbeit Zeit zu lassen. In monatlichen Meetings und Check-Ins besprechen die Mitglieder, was in der Baseler Kunstszene und in der Welt passiert. „In diesen Meetings diskutieren wir viel – ein slow process, slow practice. Es ist ein Prozess, der dem Corporate Arbeitsumfeld, in dem viele von uns tätig sind, so gar nicht entspricht.“ Deshalb gestaltet das Kollektiv im Jahr zwei bis drei wohldurchdachte Events, statt unter Zeitdruck eine Vielzahl von Projekten voranzutreiben. Zu einer Praxis, die sich der Verwertungslogik des Kunstbetriebs entzieht, gehört auch, die eigenen Grenzen zu wahren. Eine dieser Grenzen besteht für das Kollektiv darin, sich nicht von Institutionen tokenisen zu lassen. Das ist oft eine Gratwanderung, gerade wenn hohe Honorare geboten werden, denn gute Bezahlung ist im Kultursektor eben eher rar gesät. Das Kollektiv wägt deshalb stets ab: Steht hinter den Angeboten ein echter Wille zur Zusammenarbeit oder sollen die Mitglieder von Hybrid Project Space selbst zur Foto-Op werden, zum Häkchen, das die Institution dank ihrer unter den Punkt Diversity setzen kann?

Hybrid Project Space, Kunsttage Basel 2024 © Jana Jenarin

Offene Türen sind auch zum Rausgehen da

Wie also plant man, wie denkt man ein inklusives Event, das gleichzeitig nicht nur Labels verteilt und versucht, eine Agenda abzuhaken? Ananda denkt dafür zum Beispiel an ihre Oma. Ihre Großmutter bietet für sie einen Anhaltspunkt dafür, was Menschen bei einer Veranstaltung von Hybrid Project Space brauchen könnten. Barrierefreie Zugänge zum Beispiel oder eine höhere Raumtemperatur, gute Akustik, größere Schriftarten und gut verständliche Formulierungen. „Meine Großmutter muss jetzt keine Ahnung von irgendwelchen Kunst- und Kulturthemen haben. Aber sie fühlt sich wohl, weil sie einen Tee bekommt oder weil sie im Museum essen kann und einfach die Stimmung gut findet.“ Wichtig sind dem Kollektiv nicht zuletzt offene Türen. Denn wirklich entspannt und eingeladen fühlt man sich auch in einer Bar oder einem Wohnzimmer nur, wenn man den Ort mit Menschen teilen kann, die einem lieb sind. Und wenn man ihn auch jederzeit problemlos verlassen kann, ohne sich schlecht zu fühlen.

Hybrid Project Space, Kunsttage Basel 2024 © Jana Jenarin

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Die Technologie des Porzellans: Uli Aigner im Porträt

Henriette Hufgard — Mon, 17 Nov 2025 13:57:27 +0000

Uli Aigner verachtet Geschirrspüler. Dass die gebürtige Österreicherin sich nach langen Jahren der Weigerung schließlich doch ein solches Haushaltsgerät angeschafft hat, war laut eigener Aussage eine ihrer wenigen Kapitulationen der Gesellschaft gegenüber. Kein Wunder, könnte man denken. Eine Person, die wie sie ihr Leben dem Bearbeiten von Porzellan widmet, möchte nicht, dass ihre Werke von einem fühllosen Reinigungsgerät malträtiert werden. Doch Technikpessimismus liegt der Künstlerin fern. Sie war nicht nur eine der ersten Personen in Österreich, die eine Mailadresse hatte. Einer ihrer Professor*innen, Peter Weibel, hatte einen Commodore 64 – einen der ersten Heimcomputer, der 1982 auf den Markt kam. Auf ihm entwarf sie mit dem Programm KoalaPainter Designs für Mikrowellengefäße: „Für mich mit meiner Handwerkerseele war klar: Das ist ein neues Werkzeug. Das ist Ehrensache, das hast du zu lernen.“

Im Atelier von Uli Aigner. Foto © Uli Aigner

Als Tochter einer Winzerin und eines Schreiners wuchs sie auf dem Land in einer Großfamilie auf: „Ich hatte als junger Mensch noch nicht mal ‚Piep‘ gesagt und alle wussten scheinbar schon, wer ich bin und was ich bin und wie ich bin. Und das fand ich völlig befremdlich.“ Also geht sie mit 15 Jahren nach Wien, um dort eine Lehre zur Töpferin zu machen. Der Zufall, oder vielmehr die unbeirrbare Neugier, führt sie in die Nationalbibliothek am Heldenplatz. Obwohl das Haus groß und pompös aussieht, wagt sie sich hinein. Im Zettelkasten sucht sie unter der missmutigen Aufsicht der Bibliothekarin beim Buchstaben K nach „Keramik“. Dabei stößt sie auch auf K wie „Kunst“ und fängt an zu lesen. Wenige Jahre später beginnt sie an der Angewandten Universität in Wien in der Keramikklasse Produktdesign zu studieren. Im Definitionsgerangel zwischen Kunst und Handwerk sorgt sie seither mit großem Vergnügen für Unfrieden: „Kunst ist das, was nicht berührt werden darf. Und an dieser Grenze randaliere ich natürlich. Es gibt im Taoismus die Vorstellung, dass Kunst das ist, was dein Leben verändert. Und das möchte ich: Das Leben an sich verändern.“

2014 konzipierte sie das Projekt One Million: Eine Million Porzellan-Gefäße wird sie bis zu ihrem Lebensende fertigen, sie auf der ganzen Welt verkaufen und verschenken. „Wir Menschen dürfen eine lächerlich kurze Zeitspanne leben, 70, mit etwas Glück 100 Jahre. Durch das Internet ist in kürzester Zeit Wissen irrsinnig zugänglich geworden. Und deswegen synchronisiere ich das älteste Handwerk der Menschheit, nämlich das Gefäße-Machen, mit dem neuesten Handwerk der Menschheit, nämlich der Digitalisierung.“ One Million erschafft ein Netz, das sich um die ganze Welt spannt. Es ist ein lebenslanges, Generationen übergreifendes Projekt. Ihre Arbeiten müssen trotz des fragilen Materials nicht übermäßig schonend behandelt werden. Man soll sie anfassen, verwenden, sie dürfen kaputt gehen – dafür gibt es die 300 Jahre Garantie. Eine Erlaubnis, um die Ehrfurcht vor dem Objekt zu mildern. Die einzige Bedingung, an die sie die Garantie knüpft: Man muss ihr die Scherben zurücksenden. Dort kommen sie ins Archiv, in dem auch Eckdaten zu den einzelnen Besitzer*innen der Gefäße eingetragen sind.

Uli Aigners Tun hat auch eine ganz eigennützige Seite. Die Haptik des Drehens erlaubt ihr, mit sich selbst in Kontakt zu kommen, sich im Umgang mit dem feinen, feuchten Material zu fühlen. An der Drehscheibe lotet sie aus, wo die Grenzen ihrer Selbstkenntnis liegen: „Meinen Körper spüren kann ich. Aber wer ich bin, kann immer nur der andere sagen.“

Ihre Arbeit ist für Uli Aigner privat und politisch zugleich. Schnell wurde ihr als junger Frau bewusst, dass ihr männlich konnotierter – oder eher: geschlechtsneutraler – Name im Kunstbetrieb sehr hilfreich ist. Sie spricht über ihren normschönen Körper und darüber, wie sie die Vorteile, die er ihr beschert, als sich offenbarende Misogynie im Kunstmarkt erkennt. Immer wieder setzt sie Grenzen und entzieht sich den auch sexualisierenden Marktlogiken der Kunstwelt. In regelmäßigen Abständen liest sie Hannah Arendts Vita activa, jedes Mal steht etwas Neues für sie darin, offenbart sich ihr eine andere Bedeutungsebene. Wie Arendts Werk um den Menschen als Beziehungswesen kreist, stellt auch sie sich immer wieder die Frage: Wer bin ich? Wer sind die anderen?

(1) ONE MILLION by Uli Aigner, ITEM 3501, MONUMENTALES PORZELLANGEFÄSS, Foto © Marie Paul
(2) Uli Aigner, Foto © Lena Herzog

Als sie ihr erstes Kind bekommt, ist das für Uli Aigner eine Erleichterung: Endlich kreist ihr Leben nicht mehr nur um sie. Das Kind steht im Mittelpunkt, es braucht Nahrung, Trost, Nähe, Schlaf. Es will und sein Wollen steht über ihrem. Eine Reihe großformatiger Zeichnungen mit Buntstift auf Papier entsteht: Die Keimzelle des Staates. Darin verwinden sich in kräftigen Farben und klaren Formen die Körper der Familienmitglieder. Gleichzeitig bleiben große Flächen Weiß – Raum für Entwicklung, für Wachsen und ungelöste Fragen. Zum Beispiel: Wie ist man Mutter, ohne sich selbst zu Hausfrauisieren? Wie macht man Kunst, die Leben verändert und nahbar ist? Welche Kompromisse geht man als Keimzelle des Staates, als Kernfamilie ein? Geschirrspüler ja, Führerschein nein. In eine der Zeichnungen, Keimzelle des Staates 29 von 2004, hat sie ein großes Loch geschnitten: „Bei dem Loch in der Mitte geht es um die Fragwürdigkeit von Blutsbanden und was eigentlich im Zentrum der Familie liegt, die das Tor zur Welt sein sollte. Wir dachten uns: Blutsbande gibt es nicht, es ist, wie wir sozialisiert sind. Was für ein Milieu wir sind! Wenn wir schon verbunden sind, dann durch dieses spezifische Milieu, in dem wir alle feststecken als Familie.“

Sie thematisiert mit ihren Werken die Macht, die unsere Herkunft hat und zeigt, wie Technik unseren Bezug zur Welt formt. Dass Technologien die Macht haben, uns mit uns selbst bekannt zu machen – und uns von uns selbst zu entfremden. Muss man Marx gelesen haben und das Wort ‚Milieu‘ durch ‚Klasse‘ austauschen, wenn man all diese Zusammenhänge auch durch die feine Textur von Porzellan zwischen den Fingern erfühlt? Es gibt laut Uli Aigner zwei Konstanten in der Menschheitsgeschichte: den menschlichen Körper und die Form, die ein Gefäß haben muss, damit man es mit den Händen zum Mund führen kann. Technik ist, dass wir unsere Suppe nicht aus der hohlen Hand essen. Ob sich das, was Uli Aigner tut, letztlich auf dem kapitalistischen Markt verkauft, ist ihr egal. So wie ihr im Produktdesign Studium egal war, ob auf der Mailänder Messe gerade Lila angesagt war.

Uli Aigner wird bei ato von Kunstagentin Norina Quinte vertreten.

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