Schon beim Schreiben der Überschrift hat es sich leicht in mir zusammengezogen, da ich mit diesem Text das Klischee der Dialektik schlechthin öffne: Kopf vs. Herz, Verstand vs. Schmerz, Kalkül vs. Gefühl und so weiter. Spätestens seit dem Zeitalter der Aufklärung haben Menschen gelernt, ihren Verstand sehr ernst zu nehmen. 

Bis vor einigen Jahren herrschte noch das Klischee des emotionalen Künstlers vor. Heute bestimmen Theorie und Wissenschaftsdiskurs viele Bereiche der Kunst. Typischerweise werden jegliche Themen in der Kunst durch abstrakte Meta-Texte aufgeladen. Manchmal habe ich das Gefühl (ha!), dass das die Kunst ganz schön verkopft. Als würden die Menschen den Zugang zu ihrer Intuition verlieren. Wir werden darauf konditioniert, Ausstellungen mehr mit dem Verstand als mit dem Gefühl wahrzunehmen. 

Versteht mich nicht falsch – ich bin nicht für ein Verwischen von Wahrheit und Rationalität durch Gefühle. Jedoch lässt der Versuch, alles mit dem Verstand begreifen zu wollen, den wichtigen Faktor Mensch außen vor: seine Fehlbarkeit, seine Neigung danach, Bedürfnisse zu befriedigen, sein Wunsch danach, einfache Lösungen für komplexe Fragen zu finden (wie es auch der Populismus der neuen Rechten suggeriert). Die Frage nach der Evaluierung einer Ausstellung impliziert also meistens, dass man jetzt etwas Schlaues sagen sollte. Geben wir jedoch nur dem Denkapparat im Oberstübchen Raum, riskieren wir vor allem eins: Wir werden herzlos.

Kunstproduktion ist hart, wenn man nicht reich ist. Der Brotjob für den Großteil der Kunstschaffenden: Fördergeldern, Galerist*innen und Sammler*innen hinterherrennen, mit Lohnarbeit die Miete stemmen und nebenbei noch Zeit für die Kunstproduktion finden. Ein Schritt vor und fünf zurück. 

Wenn man sich dann nach der siebten Residenz-Absage wieder auf dem ungemütlichen Atelierhocker befindet, den man eigentlich schon letzten Sommer auswechseln wollte, erschlagen von der nächsten Niederlage, braucht man vor allem eines: Trost, ein fröhliches Manifestationsmantra oder einen guten Freund wie Brad Pitt, der einem Zuspruch ins Ohr flüstert: „Die ersten 80 Jahre deiner Karriere sind immer die schwersten.“

In einem zarten Anflug der Selbstumarmung visioniert man dann die Vorstellung der eigenen Kunstkarriere. Wo man eigentlich hinwollte, welche Kunstschaffenden-Karrieren einem dafür Vorbild waren. So schaut man auf die post-mortem Weltstars der bildenden Kunst wie Vincent van Gogh, Frida Kahlo und Jackson Pollock, die erst nach dem Tod durch die Decke gingen. Oder man schaut auf die vielen lokalen Biografien, die sich ihr Leben lang hochgearbeitet haben, sich ihre Position erkämpft, sie verteidigt und gehalten haben. Wenn man hart genug arbeitet, führt das irgendwann zum Erfolg. Das sagt man doch so im Spätkapitalismus. Der Mythos vom späten Erfolg gibt einem Halt.

Vielleicht ist in einer Wachstumsgesellschaft das Äquivalent zur Rente in der Kunst die späte Anerkennung innerhalb der Selbstdarstellungsära. So trösten wir uns weiter, indem wir auf ein Später hinarbeiten, das sicher in einer ungefähren Ferne liegt.

„Hey, hast du nicht Bock, ein paar deiner Sachen mit auszustellen?“
„Hey, für so eine Publikation suchen wir noch dein Künstlerinnen-Statement…“
  
Man will nicht undankbar sein. Natürlich ist es ehrenwert, wenn Anfragen für Projekte hereinschneien. Eine Ego-Umschmeichelung à la carte. Anerkennung, die einem beweist, dass Leute mit einem arbeiten wollen. Und die Hoffnung auf mehr: Hinter jeder Anfrage versteckt sich eine neue Tür, eine mögliche Chance, die einen weiterbringt. Kontakte, Kontakte, Kontakte. Manchmal ist es Fame, manchmal einfach ehrliches Interesse an der Sache, die einen dazu bringen, immer wieder „Ja“ zu Anfragen zu sagen – obwohl das wage Bauchgefühl und ein sehr realer Terminkalender bereits „Überforderung“ schreien.
  
Es ist schwierig, für sich einzustehen und Projekte abzusagen. Wir sind so sozialisiert, dass Absagen häufig negativ konnotiert sind. Es kann als arrogant, vermessen und wichtigtuerisch gelten, Projekte abzulehnen. Neben der möglichen Enttäuschung oder Verärgerung schließt man sich zum anderen selbst eine Tür, ist man doch meist in der Kunst ein Selbstunternehmen, was zukunftsorientiert arbeiten möchte. Es ist schwierig, auf dieser Grundlage eine Entscheidung zu treffen. Also quält man sich durch die Für und Wider, um am Ende vielen Projekten gleichzeitig zuzusagen, auf die man weder Lust noch Kapazität hat. Bald liegt man dann nächtelang wach, läuft die parallelen Gleise der Projekte ab, To-do-Listen formulierend, bis der Kopf sprichwörtlich vor sich hin raucht.

Stopp.

Wir müssen das Neinsagen wieder lernen. Überarbeitung und Überforderung sind enorme Stressfaktoren für die psychische Gesundheit. Aus der FOMO (Fear of missing out) muss eine JOMO (Joy of missing out) werden. Gezielt Projekte auswählen, in die man investiert, anstatt alles halb und nichts ganz zu machen. Es ist wichtig, auf sich selbst zu achten. Am Ende hat man nichts davon, wenn mit dem (frühen) Erfolg die Ausgebranntheit und die psychische Belastung dazukommen. So wird aus dem Kickstart schnell ein Kickstopp. Im Nein liegt ein Stück weit Selbstermächtigung, und manchmal bewirkt auch ein leerer Platz Wunder.

Gesellschaftlicher Wandel braucht Protest, Aufstand, Sichtbarkeit. Auch die Kunst arbeitet sich regelmäßig an Zukunftsvisionen und progressiven Positionen ab, zur Zeit vielleicht so viel wie noch nie. Durch die Aufmerksamkeit und Debatten, die sie generiert, kann die Kunst eine Zündkerze für den gesellschaftlichen Motor des Wandels sein. Doch was bedeutet das konkret für die Kunstwelt?

Wandel entsteht nicht nur durch einzelne Positionen, Individualisierung und Spezifizierung – Wandel braucht Masse.
Ein struktureller Wandel bedeutet allerdings auch, dass Menschen in Machtpositionen wie Kurator*innen, Direktor*innen, große Sammler*innen und Institutionen in der Lage sein müssen, sich selbst zu kritisieren und das System von innen heraus zu ändern. Wandel bedeutet also nicht nur Ermächtigung, sondern auch möglicherweise Machtverlust. 

Never change a running system: Routine schafft häufig eine Trägheit, die es schwierig macht, Veränderung zu denken und vor allem in die Praxis umzusetzen.
Da geht man doch lieber den gemütlichen Weg. 

„Sorry“, ist die einfache und auch höfliche Variante, nichts zu tun, alles beim Alten zu lassen, sein eigenes Verhalten – unreflektiert – zu entschuldigen. Die Geste der Entschuldigung wird so inflationär genutzt, im Privaten wie im Öffentlichen, dass sie kaum noch dem ehrlichen Eingeständnis eines Fehlers gerecht wird. Ob man zu spät zur Verabredung kommt, weil man zu spät losgegangen ist, oder zu viele weiße Führungspersonen in staatlichen Institutionen an der Spitze hat, folgt der selben Logik: Es finden sich gute Entschuldigungen und Ausreden, alles so zu belassen, wie es ist – und damit sogar immer wieder durchzukommen. 
„You could say that the reason the art world isn’t ready to change structurally is because the rest of the world isn’t going to go with it… or you could stop making excuses.“ (Zitat von Grace DeVies)